Gallery Weekend – Berliner Morgenpost

Il y a 20 ans, Johann König ouvrait sa première galerie d’art contemporain à Berlin – à l’époque encore sur la Rosa-Luxemburg-Platz à Mitte. Le galeriste expose maintenant dans l’ancienne église de St. Agnes sur Alexandrinenstraße à Kreuzberg, où nous l’avons également rencontré pour discuter.

Monsieur König, comment votre galerie a-t-elle survécu à la pandémie ?



Jean Roi Bon. Nous n’avons reçu aucun financement. Avec nos 65 salariés, nous n’avons pratiquement pas fait de chômage partiel. Mais nous ne sommes pas un cas particulier. Pendant la pandémie, de nombreuses galeries se sont concentrées sur leur cœur de métier, sur les expositions. Je pense que les ventes globales sont en baisse, mais les bénéfices sont en hausse. L’inflation contribue également au fait que de nombreuses personnes souhaitent acheter davantage d’actifs corporels.

Comment avez-vous utilisé le temps ?

Nous avons considérablement élargi nos activités dans le domaine numérique et donc dans le courtage en ligne. Nous y avons beaucoup investi, y compris dans notre nouveau site Web. Il devrait rendre l’art tangible à un niveau aussi exigeant que la galerie – et fonctionner également comme une plate-forme de transaction. C’est relativement compliqué car notre vente d’art est différente d’une activité e-commerce traditionnelle.

Qu’est-ce que cela signifie exactement ?

Il s’agit de distinguer différents collectionneurs. Nous avons des œuvres d’art qui sont si demandées que nous ne pouvons pas simplement les vendre à la première personne qui les rencontre. Nous en avons si peu qu’il faut faire attention à leur positionnement pour qu’ils contribuent durablement à la carrière de l’artiste.

Ils influencent activement qui acquiert les œuvres d’art.

Je suis d’accord. Et bien sûr cela est très compliqué dès qu’on veut le représenter numériquement. Si vous vouliez acheter quelque chose de Katharina Grosse, par exemple, un processus commencerait dans lequel nous apprendrions à mieux vous connaître en tant qu’acheteur. Nous voulons comprendre vos motivations. Si nous avons l’impression que vous ne souhaitez acheter l’œuvre que pour la revendre immédiatement avec profit, nous préférons ne pas vous la vendre. Parce que nous sommes mandatés par les artistes pour prendre soin de leur carrière sur le long terme. Et cela signifie aussi placer des œuvres dans des collections qui apportent une valeur ajoutée et, par ce biais, aiguisent la perception du public, par exemple.

Vous avez également fondé la plateforme misa.art. Qu’est-ce que c’est exactement ?

Misa.art est indépendant de König Galerie. C’est une plateforme de marché de l’art qui permet aux artistes et collectionneurs de vendre des œuvres d’art. Nous croyons que c’est l’avenir du marché de l’art. C’est une plateforme organisée car nous voulons nous assurer que les positions sont pertinentes et que les collectionneurs peuvent s’orienter. Plus de quelques centaines d’artistes sont actuellement représentés sur misa.art.

Qu’allez-vous montrer au Gallery Weekend ?

Très excitant : Zhanna Kadyrova, une sculptrice ukrainienne dont nous avions prévu l’exposition bien avant le début de la guerre, mais qui a maintenant adapté son concept à la situation actuelle. Au sommet de la nef de Sainte-Agnès, nous présentons Xenia Hausner, une peintre figurative autrichienne. Et en bas dans le cloître, différentes positions individuelles de la galerie seront exposées – de nouvelles œuvres de presque tous les artistes représentés.


La Galerie König représente une quarantaine d’artistes. Selon quels critères sont-ils sélectionnés ?

Il est important que ce soient des positions individuelles très fortes qui aient un argument de vente unique et apportent une contribution à ce qui existe déjà.

Les débutants ont-ils une chance avec vous ?

Si vous avez une position inhabituelle, certainement. Nous avons également exposé des artistes directement issus de l’académie et les avons inclus dans le programme. Helen Marten, par exemple, qui a ensuite remporté le prix Turner. Ou Andrew Schmitten. Ce n’est pas hors de question.

Un grand sujet pour le marché de l’art sont les NFT, les “jetons non fongibles”, qui permettent d’échanger des pièces uniques numériques. Quelle signification ont-ils pour vous ?

Cela s’explique assez bien avec une œuvre d’Alicja Kwade que nous proposerons au Gallery Weekend. Il est lié à une exposition que beaucoup ont vue à la Berlinische Galerie. Alicja Kwade a fait lire son ADN, l’a imprimé et l’a accroché au mur de la Berlinische Galerie, 259 025 pages A4. La particularité de l’ADN est qu’il est unique, c’est-à-dire que chacune de ces pages est unique – mais les différences ne sont que de quelques pourcents. Ces différences sont mises en évidence en gras. Elle a divisé ces 259 025 pages en ensembles de 25 pages chacun. Désormais, lorsque vous achetez un NFT, vous achetez 25 pages. Un lien vers le pdf de 25 pages est joint au NFT. Si je revends le pdf, je revendrai bien sûr aussi le NFT. Le NFT déclare qu’il y a ces
25 pages une seule fois.

L’œuvre d’art n’est donc pas liée à la matérialité des pages sur lesquelles je l’imprime ensuite.

Vous pouvez l’imprimer et le jeter sans ruiner l’œuvre d’art. Cet exemple illustre très bien les possibilités que recèlent les NFT : à savoir, conserver du contenu numérique, mais aussi le transférer. Avant, nous devions vendre ces 25 pages. Ensuite, vous devez faire attention à la protection contre la lumière et vous ne pouvez pas les accrocher au soleil. De plus, vous devez vous assurer de conserver le certificat séparément, et si une page est perdue, tout le travail est ruiné. Tous ces problèmes n’existent plus avec les NFT.


Vous avez récemment présenté l’art numérique spectaculaire de Refik Anadol, des peintures vivantes, pour ainsi dire.

L’art numérique, comme toute autre forme d’art, doit avant tout faire sens. Refik Anadol prend des millions d’images sur Internet et traite ces points de données dans cette forme de peinture numérique. C’est quelque chose qui apporte une réelle contribution à l’esthétique existante et à la discussion sur les images et la peinture. Cela le rend intéressant pour nous.

Les besoins en espace sont le problème le plus difficile pour de nombreuses galeries. Pour toi aussi?

Nous avons eu de la chance d’avoir terminé l’église à temps. Nous recherchons actuellement plus de chambres. Comme on le sait, nous travaillons sur le bunker à souris et souhaitons y installer des studios et des moyens de production artistique. Nous essayons toujours de convaincre le Sénat. Nous avions parcouru un long chemin avec Michael Müller, maintenant nous avons contacté Mme Giffey et attendons.

Vous êtes à Berlin depuis 20 ans. Comment le marché de l’art s’est-il développé pendant cette période ?

La situation est beaucoup plus diversifiée qu’on ne le pense souvent. La fraude et les prix maximums sont discutés en public, mais le monde de l’art couvre un vaste spectre. Berlin a changé pour le mieux dans certains domaines et pour le pire dans d’autres. Bref, ça s’équilibre. Bien sûr, c’est un problème d’espace, mais il y a simplement plus d’argent dans la ville et les gens achètent de l’art. Ce qui conduit à un désavantage d’un côté est un avantage de l’autre. Et si vous comparez cela avec d’autres métropoles comme Londres, Berlin se porte relativement bien.


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